Костюм эпохи барокко: пышные рукава и роскошные ювелирные украшения

Эпоха барокко, охватившая примерно 1600–1700-е годы, сформировала один из самых зрелищных периодов в истории европейского костюма. Одежда этого времени отличалась объёмными формами, обилием декора и демонстративной роскошью, а ювелирные украшения стали полноценным элементом костюмного ансамбля.

Исторический контекст и формирование стиля

В первые два десятилетия XVII века мода Европы оставалась под сильным испанским влиянием. Жёсткие каркасные конструкции, плотные тёмные ткани и строгие силуэты определяли облик аристократии от Мадрида до Лондона. Испанский костюм использовал внутренние каркасы из китового уса и металлических пластин, стёганые прокладки из ваты и конского волоса. Эти элементы придавали фигуре геометрическую чёткость, далёкую от естественных пропорций тела.

К 1620-м годам Нидерланды, не затронутые разорением Тридцатилетней войны, превратились в ведущую экономическую и торговую державу Европы. Вслед за экономическим подъёмом расцвели искусства – Рембрандт, Рубенс, Ван Дейк создавали свои работы именно в эту эпоху. Голландская мода привнесла в костюм яркие цвета вместо чёрного, мягкие ткани вместо жёстких каркасов, а сам силуэт стал свободнее и подвижнее.

С 1661 года, когда Людовик XIV вступил на престол Франции, политическое и культурное лидерство перешло к французскому двору. В течение десяти лет все европейские дворы стремились подражать «Королю-Солнце». Версаль диктовал моду – от формы парика до длины шлейфа, а придворный этикет предписывал использование шёлка, бархата и парчи, густо покрытых золотым и серебряным шитьём.

Женский костюм: корсет, лиф и юбка

Основой женского наряда барокко оставался корсет на жёстком каркасе. В начале века это были короткие полужёсткие корсеты, а к середине и концу столетия – длинные, с бюском, сильно стягивающие талию и приподнимающие грудь. Металлические пластины или пластины из китового уса превращали лиф в конструкцию, формирующую торс по модному канону эпохи.

Лиф платья плотно облегал фигуру и заканчивался мысом внизу. Декольте, обычно квадратной формы, в испанской традиции прикрывалось вышитой вставкой, а во французской и голландской – оставалось открытым или драпировалось лёгкой тканью. Поверх корсета дамы могли надевать жакет с баской, затянутый в талии, с рукавами, узкими у плеч. Края баски отделывались вышитой полосой ткани.

Юбка в эпоху барокко претерпела серьёзные изменения. Если в начале века она ещё поддерживалась каркасом – вердугадо (фартингейлом), – то ко второй четверти столетия каркас был оставлен. Юбка падала свободными складками, создавая плавный, текучий силуэт. К концу века при дворе Людовика XIV юбки вновь приобрели пышность: верхняя юбка, сшитая из той же ткани, что и лиф, была открыта спереди, а ткань собиралась на бёдрах и закреплялась сзади.

Длина шлейфа строго регламентировалась и зависела от ранга носительницы – как и в Средние века, этот элемент служил прямым указанием на социальное положение.

Мужской костюм: от дублета к жюстокору

Мужская мода барокко менялась ещё стремительнее, чем женская. В начале века основой гардероба служил дублет – короткая приталенная куртка с набивными рукавами и высоким воротником. К 1620-м годам дублет утратил прежнюю жёсткость, а рукава стали широкими, с прорезями, через которые виднелась рубаха.

Штаны – кальсес – в испанской традиции набивались и имели шарообразную форму. Во Франции к 1660-м годам появились ренгравы – широкие штаны, напоминающие юбку, – которые обожал Людовик XIV. Рубаха стала самым модным предметом гардероба: она выпускалась между курткой и штанами, из-под рукавов, украшалась обильным кружевом.

К 1670–1680-м годам дублет трансформировался в жюстокор (justaucorps) – длинный приталенный кафтан, застёгнутый на пуговицы. Под жюстокор надевали весту (жилет), а ренгравы постепенно уступили место кюлотам – штанам до колена. Кружевные воротники, которые не сочетались с длинными париками, сузились до двух полос ткани – крават (галстук), завязываемых бантом или узлом спереди.

Широкополая мягкая шляпа с роскошными страусовыми перьями довершала образ. Мужчины носили длинные, завитые волосы, распущенные по плечам, а щегольские усики и маленький пучок волос на подбородке были приметой эпохи мушкетёров при Людовике XIII.

Ткани и отделка

Придворный костюм барокко предполагал использование шёлка, бархата и парчи. Ткани покрывались настолько плотной золотой и серебряной вышивкой, украшались бриллиантами и драгоценными камнями по случаю торжеств, что сама материя едва просматривалась. Узорчатые шёлковые ткани с растительными мотивами – гранатами, артишоками, вьющимися цветами – были распространены повсеместно, хотя в Англии предпочитали вышитые цветочные орнаменты.

Кружево стало едва ли не главным декоративным элементом эпохи. Им отделывали воротники, манжеты, края ботфортов, камзолы и панталоны. Венецианские кружева с рисунком из мелких роз и тонких листьев, а также прозрачные брюссельские кружева с вышитыми тончайшими нитками цветами пользовались во Франции особым спросом. Знатные дворяне тратили на кружева огромные суммы.

Характерной чертой отделки были рельефные объёмные формы, создаваемые из самой ткани: рюши, буфы, оборки, пучки лент, банты, шнуры и галуны. Эти элементы «лепили» силуэт, придавая костюму скульптурную выразительность без использования внешних жёстких каркасов.

Пышные рукава: эволюция формы

Рукава – пожалуй, наиболее подвижный элемент костюма XVII века: их форма менялась чаще всего остального. В первые два десятилетия столетия рукава оставались узкими, с длинными верхними частями, и мало отличались от позднеренессансных образцов.

Рукав «вираго»

К 1620-м годам в моду вошёл рукав «вираго» (virago sleeve) – объёмный рукав, нарезанный продольными полосами (так называемые «пане» или «панзе»), перехваченный лентой или полоской ткани чуть выше локтя. Лента разделяла рукав на два пышных буфа, создавая характерный двухъярусный силуэт. Через прорези проглядывала рубаха или сорочка, создавая контраст цветов и фактур.

Рэндл Холм в своём труде «Academie of Armory» (1688) описывал вираго как «сильно напущенный и прорезной рукав женского платья». По данным сохранившихся датированных портретов, пик популярности этого фасона пришёлся на 1620–1632 годы – период примерно в десять лет. Вираго носили как на нижнем платье под верхним халатом, так и на самом верхнем наряде.

Развитие рукава в середине и конце века

После 1630-х годов рукава стали ещё объёмнее и свободнее. Длинные узкие рукава начала века уступили место коротким и широким формам. Пышные рукава украшались разрезом от локтя до запястья – сквозь него была видна цветная подкладка – и перехватывались лентами, образуя буфы.

Во Франции и Англии тяжёлые тёмные ткани сменились лёгкими яркими или пастельными атласами, что позволяло рукавам драпироваться мягче и естественнее. На портрете Антониса ван Дейка дама с веером (1620-е годы) одета в платье с рукавами «баранья нога» (leg-of-mutton) из белого атласа, перехваченными декоративным бантом у локтя – объём рукавов уравновешивал силуэт, лишённый каркасной юбки.

К концу XVII века, когда корсет стал самостоятельным предметом одежды и мог надеваться вместо лифа, рукава крепились уже к корсету. Их шили из дорогих материалов, обильно украшали бантами и лентами.

Воротники: от жёсткого «мельничного жернова» к кружевному отложному

Жёсткий гофрированный воротник-раф (ruff), прозванный «мельничным жёрновом», долго удерживал свои позиции. Женщины сохраняли его дольше мужчин: на парных портретах нередко видно, как дама ещё носит раф, а её спутник уже в модном кружевном отложном воротнике.

К 1620-м годам жёсткий раф уступал место мягкому: слои присборенного полотна свободно ложились на плечи. Мягкие рафы могли быть многослойными, с кружевной отделкой или собранными в лёгкие складки-гармошку. Со временем их полностью вытеснили широкие отложные кружевные воротники, открывавшие декольте – и с ними пришла новая эстетика шеи и груди.

У мужчин кружевной воротник со временем превратился в крават – узкую полоску ткани, завязанную бантом или узлом. Это произошло потому, что громоздкие воротники мешали носить длинные парики, ставшие обязательными при дворе Людовика XIV.

Жемчуг в костюме барокко

Жемчуг был любимым украшением XVII века. Его использовали не только в ювелирных изделиях, но и для отделки самой одежды – рукавов, лифов, плащей. На знаменитом портрете Елизаветы I, приписываемом Джорджу Гоуэру, английская королева носит шестирядное жемчужное ожерелье, серьги, украшение в причёске, а множество жемчужин дополнительно нашито на широкие рукава и очерчивает силуэт платья и плаща.

Жемчужные парюры (согласованные комплекты) – короткое ожерелье, серьги-капли, нить для волос и застёжки на лифе, рукавах и талии – встречаются на множестве портретов барокко. Персидский залив был главным поставщиком жемчуга, а спрос был так велик, что уже в XVII веке парижанин по имени Жакен запатентовал способ производства имитации: стеклянные сферы покрывались изнутри смесью толчёной рыбьей чешуи и лака, а затем заполнялись воском для прочности.

Бриллианты и огранка «роза»

До 1600 года ювелиры гранили камни плоской огранкой – свет не проникал внутрь камня и не раскрывал его блеска. В XVII веке амстердамские огранщики изобрели огранку «роза»: на верхней поверхности камня создавалась серия фасет (граней), усиливающих сияние. Это стало настоящим переворотом в ювелирном деле: камни заиграли по-новому, и акцент в украшениях сместился с золотой оправы на сам камень.

Термин «бриллиант» начал использоваться для обозначения огранённых алмазов. Барочные бриллианты имели преимущественно квадратную или подушковидную форму с короткими фасетами безеля, открытым калетом и довольно крутыми павильоном и коронкой. Для усиления впечатления размера алмазы теперь оправляли в серебро и подкладывали фольгу, чтобы камни сверкали ярче при свете свечей на вечерних приёмах.

Доступность алмазов резко возросла благодаря усилению торговли с Индией – португальские, британские и голландские торговые компании наладили морской путь. В начале XVII века было открыто крупное месторождение Хайдерабад в районе Голконды. Французский путешественник и торговец камнями Жан-Батист Тавернье посещал индийские алмазные копи неоднократно и описывал грандиозные масштабы добычи: около 60 000 человек – мужчины, женщины и дети – работали одновременно.

Эмаль и переход к гранёным камням

Эмаль оставалась популярной техникой украшения ювелирных изделий на протяжении всего XVII века. Жан Тутен из Блуа дал новый импульс расписной эмали, создавая миниатюрные живописные композиции высочайшего качества и передавая мастерство своим сыновьям.

Однако на протяжении столетия эмаль постепенно уступала позиции гранёным камням. Если в раннем барокко (1620–1650-е) расписная эмаль, шамплеве и эмаль «ронд-босс» на цветочных мотивах были повсюду, то к концу века эмаль сохранялась лишь в наиболее консервативных кругах. Яркие цвета, которые раньше создавались эмалью, теперь обеспечивались блеском рубинов, изумрудов и топазов в тонких серебряных и золотых оправах.

Брошь «Севинье» и корсажные украшения

Бант – один из самых узнаваемых мотивов барочного ювелирного искусства. Его происхождение прозаично: лентой привязывали украшение к платью, а со временем сам бант превратился в самостоятельный декоративный элемент, отлитый из драгоценного металла и усыпанный камнями.

Особую известность получила брошь «Севинье» – ажурный бант, к которому крепились один или несколько подвесных элементов, часто завершавшихся крестом. Название связано с маркизой де Севинье, французской писательницей XVII века, которая часто носила такой бант на корсаже. Другие придворные дамы быстро переняли моду.

В Испании родилось ещё более масштабное украшение – корсажный орнамент (corsage ornament). Это была крупная композиция из золотых нитей, жемчуга и драгоценных камней, покрывавшая весь лиф платья от декольте до талии. Украшение пришивалось к жёсткой ткани-основе, а затем крепилось к платью. Пример такого украшения виден на портрете Марии Медичи кисти Франса Пурбуса Младшего: на богато декорированном платье королева носит корсажный орнамент с жемчугом и крупными камнями в золотых оправах.

Серьги-жирандоли

Самым характерным типом серёг позднего барокко стали жирандоли (от французского girandole – канделябр). Жирандоль состоит из центральной части, к которой подвешены три объёмных подвесных элемента. Такие серьги были массивными и тяжёлыми, поэтому для облегчения конструкции использовались скрытые петли и ленты, перераспределявшие вес на верхнюю часть уха или на ленту в волосах.

В начале века серьги были проще – каплевидные жемчужины, подвешенные к золотому крючку. Но к 1650-м годам стили усложнились, и жирандоли стали доминирующей формой, сохранив популярность вплоть до конца XVIII века.

Мужские украшения

Мужская мода на украшения различалась по странам. Во Франции мужские ювелирные изделия были наиболее экстравагантными – Людовик XIV к концу жизни собрал огромную коллекцию драгоценностей и камней, в значительной мере благодаря усилиям кардинала Мазарини.

В Англии мужские украшения были сдержаннее. В середине XVII века, в период правления Оливера Кромвеля, континентальная мода мало влияла на английский костюм. Среди роялистов, впрочем, распространились украшения с миниатюрными портретами казнённого Карла I – своеобразная политическая декларация.

Испанские мужчины носили меньше всего украшений. Кроме отдельных религиозных и рыцарских предметов, ношение ювелирных изделий ограничивалось законодательно.

Часы как новый ювелирный предмет

В XVII веке часы превратились из механического устройства в полноценное украшение. Если в эпоху Возрождения часовые механизмы встраивали в уже существующие предметы декора, то теперь часы обрели самостоятельную эстетическую ценность. Корпуса покрывались эмалью, гравировкой, чеканкой, инкрустировались камнями на эмалевых полях – каждый возможный приём использовался для превращения часов в миниатюрное произведение искусства.

Региональные различия

Силуэт костюма барокко был узнаваем по всей Европе, но ткани и цвета отличались от страны к стране. Испания дольше других сохраняла жёсткий каркасный костюм с тёмными тонами и обилием чёрного. Франция задавала тон, вводя пастельные и яркие цвета, лёгкие атласы, обильное кружево. Нидерланды, богатые благодаря торговле, демонстрировали сочетание практичности и роскоши: именно здесь появилась «матинэ» – простой домашний жакет, со временем превратившийся в изделие из мягкого бархата с меховой отделкой.

В ювелирном деле региональные различия тоже ощущались. Религиозные конфликты второй половины XVII века привели к массовой эмиграции протестантских ремесленников из католических стран в Нидерланды, Германию и Англию. После отмены Нантского эдикта в 1685 году гугеноты покинули Францию, принеся с собой мастерство и традиции. Это рассеяние мастеров способствовало распространению новых ювелирных техник по всему континенту.

Социальная роль костюма и украшений

Расцвет международной торговли в XVII веке позволил среднему классу – купцам и ремесленникам – существенно разбогатеть. Буржуазия получила возможность приобретать украшения, которые прежде были доступны только аристократии. Именно в XVII веке появились розничные ювелиры как отдельная профессия, отличная от мастера-ювелира прошлых эпох.

Спрос на украшения со стороны нового богатого класса стимулировал производство качественных имитаций. Стразы (паста) высокого качества выпускались в больших масштабах, удовлетворяя растущие запросы тех, кто не мог позволить себе подлинные камни. Граница между аристократическим и буржуазным костюмом размывалась – и именно это обстоятельство побуждало дворянство к ещё большей экстравагантности, к ещё более дорогим тканям и камням.

Природные мотивы в ювелирном дизайне

Раннее барокко принесло в ювелирный дизайн натурализм. Мотив «cosse-de-pois» (стручок гороха) стал одним из первых природных орнаментов, а затем в изделиях появились цветы – экзотические тюльпаны, розы, незнакомые европейцам растения, привезённые с Ближнего Востока. Ботаника превратилась в самостоятельную науку, а цветочная мания охватила Европу – тюльпаномания 1634 года в Нидерландах стала её крайним проявлением.

Цветочные мотивы, популярные в вышивке с конца XVI века, перешли и в ювелирное искусство. Расписная эмаль, шамплеве и объёмная эмаль использовались для создания цветочных композиций. С 1650-х годов гравировка по металлу стала предпочтительным способом изображения растительных мотивов. К концу XVII века асимметричные букеты и отдельные цветы вытеснили строгую симметрию ранних барочных образцов, предвещая стилистику рококо.

Французская мода барокко: королевские дворы и стиль Людовика XIV
Костюм эпохи рококо: лёгкость и элегантность
Одежда королей и королев в средневековой Англии